我们能否听懂纯音乐？
赵毅衡
（芬兰）埃罗·塔拉斯蒂，《音乐符号》，陆正兰译
译林出版社2015年1月版
《音乐符号》这本译作一出版，就被中国出版集团推荐为“2015年度中国影响力图书推展书目”之一，这不奇怪。正如推荐理由所说“这些与时代、与现实联系密切读物，值得读者关注和期待。”
音乐，尤其是纯音乐，一直在我们的生活中，但却离我们很远。拥有钢琴家身份的理论批评家爱德华.萨义德就这样犀利地说过。他的意思很直接，我们大多数在听音乐，但并没有真正听懂音乐。
这不能怪音乐，也不能怪听众。音乐很抽象，在于音乐符号的表意方式很特别。而《音乐符号》这本严肃的学术著作，一开始就给大多数音乐外行人足够的自信，“音乐并不只是属于掌握专业音乐知识的人群，音乐的意义也不是字典上编定不变的，而常常取决于它们出现的语境，音乐和其他艺术形式一样，它的意义与文化认知建构密不可分。”它告诉我们，只要我们掌握了一些方法，是完全可以听懂音乐的。音乐享受不是某些精英者的特权，更不只是抽象的作品形式分析。音乐在我们的文化、社会、历史视野中。一旦听懂，我们可以更享受这一艺术形式。
这本书首先告诉我们，音乐作为符号，可以创造各种情境，可能是交流性的，行动性或者事件性的。它不仅在音乐本身，也可以超越音乐之外，这种情境性也表现在音乐的使用中。比如对于巴洛克时期的听众来说，巴赫作品中赋格主题，也就是我们常听到的那几个音符组合，是由特定的宗教含义的，它代表十字架，我们之所以能在作品中识别出来，是因为我们的感受向作品灌输意义。同样，贝多芬的《告别》的开头，号角声是一种象征。一旦这些碎片化的音乐符号会从一种语境移到实在生活的语境，音乐就不再是风中的声音，而是沙沙落地的群鸟。
这本书最大的特点，是吸纳了其他学科的前沿思想，比如，生物学的有机论被用在分析西贝柳斯的作品，让我们形象地感受到音乐的有机性，它就犹如生物学中的细胞生长原则，被分裂成若干主题单元，每个有机体都有“自我-声音”，但彼此又有机地联系在一起，音乐素材来自于同一处，主体性具有内在像似性，所有的音乐事件相互连贯，具有内在的指示性，音乐有个明确的目标，音乐的时间性和复苏的起始、延续和终止相连。这样的理论与作品结合的分析，简明而不失深刻，生动又不失理性。
在分析肖邦作品时，作者反驳“肖邦作品太阴柔化”的粗暴结论，以肖邦的《F小调幻想曲》为例，列举出作品中35种不同的身体言说。作者犀利地指出，肖邦作品中固然用了很多约定俗成的符号（舞蹈、划船节奏等），其音乐中的身体具有规范的社会化，及风格性的约束特征。这36种言说方式中，身体特征都会出现，有时明显，有时隐晦，但每一种方式中都会陷入社会化、文明化与自由个性化的冲突。这样的论述，会让很多人惊艳，而不只是惊奇。
此书视野开阔，从音乐文本本身，到社会、文化、性别、身份、民族、教育都有精彩的论述，难怪被誉为“新音乐学”的代表作之一，因为它从新的高度打开了音乐的边界，帮助喜欢音乐的人找到理解音乐途径。
本书的作者埃罗.塔拉斯蒂, 是芬兰赫尔辛基大学音乐学教授也是一位资深钢琴家。同时身兼数职，世界符号学会前会长，世界音乐符号学会会长，欧洲科学院院士。多年来一直从事音乐符号学研究，著作等身。在符号学界，塔拉斯蒂的研究继往开来。
塔拉斯蒂的理论源泉看起来十分驳杂，但依然能有一个清晰的路向。他年轻时师从立陶宛裔法国符号学大师格雷马斯，可谓格雷马斯的“巴黎学派”的忠实弟子。但他对第二代符号学“只是把经典符号学放到了知识论的背景之下”不满，将存在主义哲学和符号学结合起来，发展出一种存在符号学。
就我读来，这本《音乐符号》，不仅是为研究音乐的专业人士“提供一本研究的实用指南”，也帮我们普通人跨入音乐门槛，多了几份从容和自信。听音乐就像传说中的小马过河，河水既没有恐惧的那么深，也没有想象的那么浅，它只是在静静的流着，冲洗着我们的体验和认知。
